El Acting es un concepto de animación muy complejo y que engloba gran parte del guión de la pieza audiovisual al igual que el desarrollo psicológico del personaje que se busca animar. Por lo tanto nos encontramos con un problema difícil de solucionar y que necesita de los fundamentos de la animación controlados a cabalidad para poder siquiera pensar en abordar este aspecto en particular. Esto lo deja para mi, en el lugar más alto de los fundamentos y por lo tanto es el más lejano y difícil de alcanzar.
Para apoyar las clases que imparto en la Academia de Arte Digital, voy a explicar de manera sencilla el método de trabajo que vamos a utilizar.
Vale la pena decir, que me voy a referir a un tipo de animación en particular y a un formato de animación más bien estándar, que puede ser más funcional para quienes les interesa trabajar en la animación de personajes, pero que puede no afectar de la misma manera a la animacion mas cartoon.
Ok, dicho esto… comencemos.

Planning

El desafío es animar un audio de la web www.11secondclub.com y para eso debemos descargar sonidos y voces, y animarlo para competir con personas de todo el mundo. Normalmente el número de participantes está sobre 150 y calificados desde el primer número hasta el último (no primer, segundo, tercer lugar y mención honrosa… son TODOS!), sirviendonos de cálculo para saber qué tan cerca estamos de llegar a cánones profesionales en la animación de personajes.
Enfrentarse a este reto significa construir un mundo entero para nuestro personaje, una psique que le permita moverse, conteniendo en su lenguaje no verbal los indicios de que un alma existe dentro de él (anima = alma en latín). Para lograr esto, utilizaremos el método pose a pose y contendremos en los keyframes todos los códigos gestuales que nos permitan crear la “ilusión de vida”. Recomiendo la lectura del libro “Illusion of life”.

En el taller examinaremos la psique y como construir el imaginario de un personaje segun algunas ideas estructurales del comportamiento humano.

Este mes yo participo con el taller y les voy explicando cuáles son los pasos que sigo para que asi puedan ver el ejemplo. Ahora analizaremos mi participación en la competencia y así les muestro cómo procedemos.

Recibimos el audio, analizamos cual es el texto del sonido y pensamos en cómo vamos a presentarlo. Es importante pensar inmediatamente que debemos tener un remate, ya que vamos a contar una nano-historia y eso significa que debemos tener el avance narrativo que amerita, ojalá separándolo en 3 actos y/o construyendo un arco narrativo que genere un desenlace y un climax.
En el desarrollo de esta idea debemos tener en cuenta que la libertad es absoluta, podemos resolver este problema como queramos, siempre y cuando logremos comunicar lo que queremos mediante la imagen y el movimiento, ya que el audio no es parte de nuestro trabajo en este momento.
Otro factor primordial es que podamos comunicar lo que el texto del personaje dice pero de manera bastante limitada, ya que no podemos poner energía en todas las palabras y generar un caos de información, así que solo vamos a escoger algunas, las más importantes para la historia que vamos a contar y depositamos toda la información posible sobre cómo el alma del personaje se expresa a través del cuerpo.
Resumimos toda la información posible en los “Key frames” que van a contener casi toda la información que ocurre en el plano, pero en muy pocas poses que tienen un valor global y sobre las cuales construiremos el relato visual.

La pregunta es… cómo encuentro estas poses?
Una de mis respuestas favoritas es la que da Shawn Kelly, en su EBook gratuito “Animation Tips and Tricks” donde manciona las “palabras operativas” como un eslabón principal en la metodologia del pose a pose, ya que organiza el texto y permite formular ordenadamente una planificacion intencionada y controlada.
En el encargo de mayo de 2017 se designó este texto:

Audio

y mis palabras operativas fueron:
Voice 1: Why did you decide to be a baker?
Voice 2: Uh well, (uhm), ‘cause I’m (dying)…in that canning factory. (Everyone) there’s dying. (It just)…(crushes the life) out of you. (Do you like) canned food?
Voice 1: No.
Voice 2: Yeah, me neither.

Para hacer el primer acercamiento desarrollamos el método al que se llama thumbnails o bocetos, donde intentamos traspasar la información en poses dibujadas de manera bastante rápida ya que debemos corregirlas muchas veces y no vale la pena hacer un dibujo demasiado acabado.

Comenzamos con los thumbnails

Se presenta el “staging” respecto al lenguaje de la cámara y lo que está dentro y fuera de la composición del encuadre, que en este caso aproveché para el remate y agregué un zoom para concentrarme en los sentimientos que atormentan al personaje.

Personalmente no uso referencias en formato de video, pero intento construir una visualidad desde la biblioteca de imágenes a la cual llamamos “imaginario” y actuar repetidas veces el audio, para encontrar la manera en que se mueve mi personaje. Luego llevo la representación de las palabras operativas a la actuación y esas palabras al dibujo de las poses.

En la imagen se puede apreciar el diseño de lo antes mencionado, después de actuar repetidas veces el audio. En una esquina esta el diseño de la composición, en un dibujo grande la “golden key” que concentra la actitud del plano, en dibujos pequeños las palabras operativas y en una nueva hoja el remate.

En mi metodología paso estos dibujos previos a un animatic inmediatamente ya que es el primer acercamiento audiovisual que me entrega un lenguaje en el que estamos trabajando y me permite tener más claridad respecto al timing del plano y el “cómo se siente” lo que estoy esquematizando. En este ejemplo también se ve que traté de justificar los pasos que hay en el audio pero fue un error que después eliminé del plano.

Hasta aquí tenemos toda nuestra preproducción base hecha y ya sabemos bien que necesitamos para hacer el plano animado, desde el diseño de personaje hasta el animatic.

Animación

Comenzamos con nuestra labor de animador ya que antes pasamos por la planificación y ahora podemos pulir pensando en el tiempo y el espacio del que disponemos para trabajar.

Antes de explicar más detenidamente algunos puntos, quisiera enfatizar que debemos preocuparnos de la respiración ya que con ella el cuerpo sufre modificaciones y eso también debe construir la pose influyendo en el equilibrio del cuerpo.
Para ser convincentes a la hora de construir la imagen de un cuerpo que es contenedor de un alma, con experiencias y traumas, debemos proyectar en el lenguaje no verbal, potenciando específicamente el fundamento de “acción secundaria” que consolida en el movimiento del personaje una meta-información (meta="después" o "más allá" en latin) necesaria para desarrollar un personaje complejo emocionalmente. Es así que las poses se corrigen y tomamos especial cuidado en pequeños gestos que expongan al espectador las emociones, mediante poses claras y bien construidas, que cuidan de tener una buena lectura en su silueta.

Extremos

Una vez que ya tengo más claro lo que voy a comunicar en el dibujo, comienzo a crear las “keys” con detalle y agregar los “extremos”, palabra importante en la que quisiera detenerme a explicar.
Los extremos son poses que concentran información más bien “física”. ¿A qué me refiero con esto? a que el cuerpo para moverse necesita hacer uso de su biomecánica en relación con la gravedad y es entonces que aparecen “down”, “up”, “overshoot”, “contact” “take” y “anticipación” (me refiero netamente a la interpretacion de peso y gravedad y no a la anticipación narrativa), todas extremos de un movimiento; lo más arriba, abajo, sobrepasado, tocando algo, exagerando y anticipando un movimiento, son todos momentos extremos que marcan más detalladamente el diseño de animación que estoy trabajando y que poco a poco me acercan más al resultado final. Quisiera también darle un espacio importante a los pestañeos ya que permiten entender procesos cerebrales complejos.

Breakdown

Ya estamos muy cerca de terminar la animación, los factores más decisivos ya están en pie y probados, de manera que comenzamos la labor de pulido que nos permite ordenar mejor el “timing”. A estas poses se les llama breakdowns y son dibujos intermedios que entregan información importante que complementa la física y por lo tanto varios fundamentos de la animación. Otro elemento importante es que la cantidad de dibujos ya es suficiente para comenzar a desarrollar el lipsync o sincronización de labios, respetando ciertos cálculos específicos que revisaremos en el taller mas detalladamente.

Inbetween

Finalmente vamos a agregar las intercalaciones que medirán el peso de los movimientos y darán una intención más sensible a las poses. Es aquí donde se hace más sencillo entender el fundamento de “slow in and slow out” ya que la programación proporcional del “spacing” crea un orden orgánico, reconocible por el espectador y que va a dar más fuerza a la ilusión de vida que le queremos dar al dibujo de animación.

Si bien el ejercicio no esta terminado, el desarrollo de esa parte del plano cumple con la función de explicar cómo se aborda metodológicamente un plano de acting desde mi experiencia como animador y profesor.
Espero que les sea útil y nos vemos en la Academia.
Adiós.

Animación Avanzada: Acting